摄影学是研究摄影特性、作用，揭示摄影活动内在规律的一门学科。它是一门新兴学科。摄影学的研究对象是摄影。摄影又称照相，就是通过胶片的感光作用，用照相机或电影摄影机拍下实物影像的过程。

摄影学是研究摄影技术和摄影艺术的学科。英文摄影 Photography 一词是源于希腊语 φως phos（光线）和 γραφις graphis（绘画、绘图）或γραφη graphê，两字一起的意思是“以光线绘图”。是指使用某种专门设备进行影像记录的过程，一般我们使用机械照相机或者数码照相机进行摄影。有时摄影也会被称为照相，也就是通过物体所反射的光线使感光介质曝光的过程。有人说过的一句精辟的语言：摄影家的能力是把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉图像。

详细解释

1. 摄影是一门随着传统摄影技术的形成和发展而产生的摄影应用科学，它以摄影光学、摄影化学和电子技术为基础，在长期实践中形成了独特的拍摄体系。

2. 照相、拍电影或电视。郑泽《壬子秋日钝庵邀摄影像作诗奉呈》：“摄影纪盛游，或左亦或右。” 洪深 《电影戏剧表演术》第一章一：“戏剧对于人生，不能像摄影的对于景物那样，一些不走样地反映。”如：摄影棚。

3. 指照片。《孽海花》第十一回：“ 菶如 拆开看了，又拆了那纸包，却密密层层的包着，直到末层，方露出那一张一尺大的西法摄影。上头却是两个美丽的西洋妇人。”

4. 引申指如实反映。 黄人 《<清文汇>序》：“有一代之政教风尚，则有一代之学术思想，蜕故孳新，瞤息不可复省，而有为之摄影者曰史，而有为之留声者曰文。”

一般简称的摄影，即是用照相机，映像在底片，冲印底片成为单一相片，一张张作永久保存。但相片的影像是不动、无声，仅供人观赏其人物、意境，进而体会其涵义。

今天世界上仍存留最早的一张照片可以追溯至1827年，出自法国人约瑟夫.尼埃普斯之手。

在进行照相时，光通过小孔（更多时候是一个透镜组）进入暗盒，在暗盒背部（相对於光入射方向）的介质上成像。根据实际光强度和介质感光能力的不同，要求的光照时间也不同。在光照过程中，介质被感光。

照相进行完成后，介质所存留的影像信息必须通过转换而再度为人眼所读取。具体方法依赖于感光手段和介质特性。对于胶片照相机，会有定影、显影、放大等化学过程。对于数码照相机，则需要处理器对数据进行计算，再通过电子设备输出。

一般来讲，人们使用可见光照相，最常用到的是照相机。因场景和用途的不同，照相机有着非常多的分类。综合来讲，照相机都要有几个基本的部分以保证暴光过程，这包括：感光介质、成像透镜、曝光时间控制机构、胶卷暗盒、存储介质。

记录摄影

摄影之所以诞生，就是为了记录的目的。它诞生之后所显示出来的强大的生命力，也恰恰在于它的记录功能。这是其他技术或艺术所无法比拟或取代的。因此，从广义上说，摄影就是记录。

艺术摄影

随着摄影的发展，人们在摄影中不断地增加艺术的元素，开始产生艺术摄影。它与记录摄影的区别在于艺术性的多少与高低，而无绝对的界限。例如：我们去照张像作身份证或留个纪念，一般照相馆拍摄的照片，最多有点资料或记录价值。可是，郑景康先生给齐白石先生拍的人像，50年过去了，至今仍是世界二十幅最优秀的人像作品之一。其中的差别完全在于艺术性的高低。

画意摄影

画意摄影以其唯美的画面语言及美好的设计内涵一直是人像摄影的一种重要的表达方式。自摄影术发明至今，可以说，画意摄影一直贯穿其中，并且在摄影发展史上起了几个里程碑的作用。十九世纪后半页，英国摄影家雷兰达拍摄出了曾被预言为“摄影新时代来临了”的作品-----《人生的两条路》，在摄影还被轻视的当时，这幅作品以其劝勉性的主题和油画式的构图，受到了维多利亚女王的极高评价。可以这样说，雷兰达对推进摄影被承认为一们艺术功不可没。从此，画意摄影也逐渐成为摄影艺术中的一个重要流派。

全息摄影

全息摄影是指一种记录被摄物体反射波的振幅和位相等全部信息的新型摄影技术。普通摄影是记录物体面上的光强分布，它不能记录物体反射光的位相信息，因而失去了立体感。全息摄影采用激光作为照明光源，并将光源发出的光分为两束，一束直接射向感光片，另一束经被摄物的反射后再射向感光片。两束光在感光片上叠加产生干涉，感光底片上各点的感光程度不仅随强度也随两束光的位相关系而不同。所以全息摄影不仅记录了物体上的反光强度，也记录了位相信息。人眼直接去看这种感光的底片，只能看到像指纹一样的干涉条纹，但如果用激光去照射它，人眼透过底片就能看到原来被拍摄物体完全相同的三维立体像。一张全息摄影图片即使只剩下一小部分，依然可以重现全部景物。全息摄影可应用于工业上进行无损探伤，超声全息，全息显微镜，全息摄影存储器,全息电影和电视等许多方面。

绘画主义摄影

绘画主义摄影是流行于20世纪初摄影领域的一种艺术流派，它产生于十九世纪中叶的英国。

该派摄影家在创作上追求绘画的效果，或“诗情画意”的境界。它大致经历了这样三个阶段：仿画阶段；崇尚曲雅阶段；画意阶段。

绘画主义摄影家提出，“应该产生摄影的拉斐尔和摄影的提茨安。”

绘画主义摄影经历了较长的发展时期，第一个绘画主义摄影菜是英国画家希路（1802-1870），他擅长人像摄影，作品结构严谨，造型优雅。1851年至 1853年，是绘画主义摄影的成长时期。1869年，英国摄影家HP罗宾森（1830-1901）发表了摄影的画意效果一书，他提出：“摄影家一定要有丰富的情感和深入的艺术认识，方足以成为优秀的摄影家。无疑的，摄影术的继续改良和不断发明启示出更高的目标，足以令摄影家更能自由发挥；但技术上的改良并非就等于艺术上的进。因为摄影本身无论如何精巧完备，还只是一种带引到更高的目标而已。”为该派奠定了理论基础。

1857年，奥斯卡·古斯塔夫·雷兰德（1813-1875）创作了一幅由30余张底片拼放而成的、具有文艺复兴风格的作品：两种生活方式，标志着绘画主义摄影艺术上的成熟。

这一时期的作品，其题材大都富有宗教色彩，含有一定的规喻性。拍摄时，预告打好草图，然后利用模特儿、道具，组织和安排场面，并通过暗房加工而成。追求照片画面的绘画效果。

随后，绘画主义摄影的内容有所扩大，但风格仍崇尚古典主义，造型和构图仍具学院派的法则，因而显得储蓄、沉表、典雅。

当该流派发展到画意阶段时，追求作品的情感、意境和形式的美，依旧是它的特点。

由于绘画主义摄影家强调艺术修养：“如果想要使摄影在艺术上有地位，摄影家就必须首先培养起审美的能力和育实艺术的修养。”所以其历史功绩是把摄影从初期机械地摹写对象引导到造型艺术的领域中去，促使了摄影艺术的发展。

由于绘画主义的创作大都脱离现实生活，加上摄影器材的日益改善，人们审美趣味的不断发展，为“自然主义”所冲击。尽管这样，在今天的摄影艺术殿堂中，仍有它的席位。

这一流派的主要摄影家和作品有：普莱期（?-1896）的男爵之宴、鲁宾逊漂流记、宝塔情景；罗宾林的当一天工作完了的时候、秋天、两个小姑娘、弥留、拿着毒药瓶的朱丽叶、黎明和落日；雷兰德洗礼者圣约朝霞之首、伊菲吉尼亚、优迪特与荷罗佛尼斯；金马伦夫人（1815-1897）的汤姆士卡莱尔和尼达（1820-1910）的弥留之际的嚣俄等等。

印象派摄影

1899年，英国举办了法国印象派绘画的首次展览。绘画主义派摄影家罗宾森在其影响下，提出“软调摄影比尖锐摄影更优美”的审美标准，提倡“软调”摄影。该流派是绘画印象派在摄影艺术领域中的反映。

开始，他们运用软焦点镜头进行拍摄，布纹纸洗印，追求一种模糊朦胧的艺术表现效果。随着“溴化银洗相法”和在颜料中混入重铬酸胶洗相纸法的出现，印象派作品从对镜头成象的控制发展到暗房加工。他们提出“要使作品看起来完全不象照片”，并且认为“假如没有绘画，也就没有真正的摄影。”

在这种理论指导下，印象派摄影家还用画笔、铅笔、橡皮在照片画面上加工，特意改变其原有的明暗变化，追求“绘画”的效果，如拉克罗亚在一九零零年创作的《扫公园的人》，就象是一幅画在画布上的炭笔画。印象派摄影家使自己的作品完全丧失了摄影艺术自身的特点，所以有人又把它称之为“仿画派”。可以说它是绘画主义摄影的一个分支。

这一流派的艺术特色是调子沉郁，影纹粗糙，富有装饰性，但缺乏空间感。其著名摄影家有杜马希（?-1937）、普约（1857-1933）、邱恩（1866-1944）、瓦采克（1848-1903）、霍夫梅斯特兄弟（1868-1943；1871-1937）、杜尔柯夫（1848-1918）、埃夫尔特（1874-1948）、米尊内（1870-1943）、辛吞（1863-1908）、奇里（1861-1947）等。

写实摄影

写实摄影是一种源远流长的摄影流派，延绵至今，仍是摄影艺术中基本的、主要的流派。它是现实主义创作方法在摄影艺术领域中的反映。

该流派的摄影艺术家在创作中恪守摄影的纪实特性，在他们看来，摄影应该具有“与自然本身相等同”的忠实性，画面中的每一个细节，只有具有“数学般的准确性”，作品才能发挥他种艺术媒介所不具有的感染力和说服力。A·斯蒂格利茨曾说：“只有探讨忠实，才是我们的使命。”另一方面，他们又反对象镜子那样冷漠地、纯客观地反映对象，主张创作应该有所选择，对所反映的事物应该有艺术家自己的审美判断。著名写实摄影大师刘易斯·海因就说过这样的名言：“我要揭露那些应加纠正的东西；同时，要反映那些应予表扬的东西。”可见他们崇尚艺术应该“反映人生”的观点。他们敢于正视现实，创作题材大都取于社会生活。艺术风格质朴无华，但具有强烈的见证性和提示力量。

最早的写实摄影爱好当推英国摄影家菲利普·德拉莫特于1853年拍摄的那些火棉胶纪录片。稍后，则是罗斯·芬顿的战地摄影和六十年代末的威廉·杰克逊的黄石奇观。1870年以后，写实摄影渐趋成熟，开始把镜头转向社会，转向生活。如当时的摄影家巴纳多博士就拍摄了流浪儿童的悲惨境遇，而震动了人们。

由于写实摄影爱好所具有的巨大的认识作用和非凡的感染力，逐渐在新闻领域中占据了自己的地位。九十年代美国摄影家雅谷布·里斯关于纽约贫民窟生活的那些作品，就是这方面的奠基作品。

随后，写实摄影家人才辈出，作品都以其强烈的现实性和深刻性而著称于摄影史。例如英国勃兰德的《拾煤者》；美国R·卡帕的《通故的法国女人被剃光头游街》；法国韦丝的《女孩》等等，不胜枚举。

自然主义摄影

1899年，摄影家彼得·亨利·爱默生鉴于绘画主义创作的弱点，发表了一篇题为《自然主义的摄影》的论文，抨击绘画主义摄影是支离破碎的摄影，提倡摄影家回到自然中去寻找创作灵感。他认为，自然是艺术的开始和终结，只有最接近自然、酷似自然的艺术，才是最高的艺术。他说，没有一种艺术比摄影更精确、细致、忠实地反映自然，“从感情上和心理上来说，摄影爱好的效果就在于感光材料所记录下来的，没有经过修饰的镜头景象。”该派另一位大师A·L·帕邱说得更明确：“美术应该交给美术家去做，就我们摄影来说，并没有什么可借重美术的，应该从事独立性的创作。”

由此可见，这种艺术主张，是对绘画主义的反动，它促使人们把摄影从学院派的桎梏中解脱出来，对充分发挥摄影自身特点有着促进作用。

这一流派的创作题材，大都是自然风光和社会生活。

这一派著名的摄影家有德威森（1856-1930）、威尔钦逊（1857-1921）、葛尔（?-1906）、搔耶（1856-?）、萨特克利夫（1859-1940）等。

纯粹派摄影是成熟于二十世纪初的一种摄影艺术流派。其创导者为美国摄影家斯蒂格里兹（1864-1946）。他们主张摄影艺术应该发挥摄影自身的特质和性能，把它从绘画的影响中解脱出来，用纯净的摄影技术去追求摄影所特具的美感效果－－高度的清晰、丰富的影调层次、微妙的光影变化、纯净的黑白影调、细致的纹理表现、精确的形象刻画。总之，该派摄影家刻意追求所谓的“摄影素质”：准确、直接、精微和自然地去表现被摄对象的光、色、线、形、纹、质诸方面，而不借助任何其他造型艺术的媒介。

科班1913年送展的俯瞰纽约，就是纯粹派中的佳作。摄影家从高处俯瞰纽约某个广场，虽没有任何加工、修饰，但新颖的构图，独特的造型，使人耳目一新，再如E斯坦诚的K桑德伯格，则是用多次曝光的手法，了独幅作品空间、时间的限制，在一个画面中细腻地刻画了诗人情绪的转换，影调的组合和构图的变化，极有韵律感。

从某个角度说，纯粹派的某些主张和创作是形式主义和自然主义的“混血儿”，后来则衍变成“新即物主义”。但该流派在一定程度上曾促进了人们对摄影特性和表现技巧的探索和研究。

这一流派的著名摄影家是斯特兰德（1890-？）和F64小组摄影组织中的摄影家，如亚当斯、坎宁安等。

纯粹派后期的作品则向线条、图案和歪曲形象的抽象方面发展，其有影响的摄影家是亚博、史丁纳、史脱特文和伊凡思等。

新即物主义摄影又称“支配摄影”、“新现实主义摄影”。为本世纪二十年代出现的一种摄影艺术流派。

该流派的艺术特点是在常见的事物中寻求“美”。用近摄、特写等手法，把被摄对象从整体中“分离”出来，突出地表现对象的某一细部，精确如实地刻画它的表面结构，从而达到眩人耳目的视觉效果。它不考虑艺术的本质在于提示对象的本质，因而其美学思想是属于自然主义范畴的。例如，摄影家帕邱在一九二三年拍摄的火车头的回转轴就是用近摄手法，表现了火车头回转轴运转时的状态，由于画面摒弃了其他细部因而给予观众的视觉印象是强烈的。

新即物主义的理论先驱是斯特兰德，他对即物主义艺术特征作了如下规定：“新即物主义乃是摄影的本质，并且也是摄影的产物和界限。”他认为，摄影“对生命的表现极强，而且需要观察正确事物的眼睛。为此，并非根据敷衍的过程和操作方法，而是必须运用纯净的摄影术才行。”新即物主义摄影的创作先驱则是阿杰和斯泰肯。而实际创始者为上面提到的帕邱。

帕邱反对摄影依赖于绘画，他强调摄影艺术必须依靠摄影的自身特性，认为摄影的审美价值隐藏在自身的特性里，只有充分发挥摄影的自身特性才能创造出美，他说：“绘画应该随便由画家去画，只有根据固有的特质，才能创造出可以自立的摄影，没有任何东西是从绘画所借用的”。

新即物主义摄影家的功绩是促使人们对摄影自身特性的研究和探索，把摄影从审美性的虚幻世界中拉回到现实生活中来。但是，由于过分强调了细部物质表面结构的描写，为后来的抽象主义摄影提供了萌发的土壤。

一九二五年前后，由于出现了大口径的小型照相机，新即物主义的表现领域有了新的发展，产生了不少人像作品及反映社会生活和自然风光的作品。

新即物主义的著名摄影家有桑德（1876-1964）、勒斯基（1871-1956）、黑葛（1893-1955）、希尔夏（1881-1948）休利曼·霍培（1878-?）、埃夫特（1874-1948）、威斯吞·亚当斯（?-1902）等。

超现实主义摄影

超现实主义摄影为达达派没落时期出现于摄影艺术领域中的一种流派，兴起于上世纪三十年代。

这一流派有着较为严谨的艺术纲领和艺术理论。他们认为，用现实主义创作方法去表现现实世界是古典艺术家早已完成了的任务，而现代艺术家的使命是挖掘新的、未被探讨过的那部分人类的“心灵世界”。因而，人类的下意识活动，偶然的灵感、心理变态和梦幻便成了超现实主义摄影艺术家们刻意表现的对象。

摄影中的超现实主义者也象达达派摄影家一样，利用剪刀、浆糊、暗房技术作为自己主要的造型手段，在作品画面上将景象加以堆砌、拼凑、改组，把具体的细部表现和任意的夸张、变形、省略和象征的手法结合在一起，创造一种现实和臆想、具体和抽象之间的超现实的“艺术境界”。所以其效果是奇特、荒诞而又神秘的。

这一流派的著名摄影家有从事超现实主义集锦照片的画家帕尔汗；变形人体摄影家布兰特；肖像兼宣传摄影家卡逊以及布鲁门塔尔、洛林、哈尔斯曼、赖依等。

抽象摄影

抽象摄影为第一次世界大战后出现的一种摄影艺术流派。

初期，用无底放大法省略去“被摄体”的细部纹理和丰富影调，制作成仅表现其形状的“光图画”。后来发展到或运用光线，或剪辑集锦，或中途曝光，或拍摄时震动照相机使被摄体形象在底片中的结象模糊，或多次曝光使之重影，直到改变画面的表面结构，改变被摄物体的原有形态和空间结构，力图使用所谓形式、影调（色彩）和素材的“绝对抽象的语言”，使被摄物体转变成某种不能辨认为何物的线条、斑点和形状的结合体。以表现该派艺术家奉为圭臬的所谓人类最真实、最有本质力量的潜意识世界。在作品中，被摄物体只不过是被艺术家借来随心所欲地产生表现自身想象和个性“旋律”的音符。

抽象摄影的发轫者为泰尔博（1800-1877）。开始时，作品画面仍保持一定程度的可辨认性。至一九一七年摄影家科班（1882-?）用木片和透明玻璃碎片拍摄的《波尔多画报》就已完全不可辨认了。一九二二年，匈牙利抽象画家莫荷利纳基（1895-?）在曼瑞（1890-?）等人的基础上加以发展，并从理论上予以确立。随后，抽象画家康丁斯基、克勒等引进了显微摄影和X光摄影，从而大大扩大了抽象派摄影的表现范围，丰富了摄影艺术的语言，建立了自己的艺术体系，并风行于欧美等国。

该流派的代表人物，除文中已提及的外，尚有史格特、芬宁格、安真兰特、佛莱泰、温隙斯特、格连巴晤、夏德和布留奎尔等。

堪的派摄影

堪的派摄影是第一次世界大战后兴起的、反对绘画主义摄影的一大摄影流派。

这一流派的摄影家主张尊重摄影自身特性，强调真实、自然，主张拍摄时不摆布、不干涉对象，提倡抓取自然状态下被摄对象的瞬间情态。法国著名的“堪的”派摄影家亨利·卡笛尔·布列松说过：“对我来说，摄影就是在一瞬间里及时地把某一事件的意义和能够确切地表达这一事件的精确的组织形式纪录下来。”因而这一流派的艺术特色是客观、真实、自然、亲切、随便、不事雕琢、形象生动而富有生活气息。

“堪的”派中的摄影家，就其美学思想和创作倾向而言，情况是比较复杂的，虽然他们都崇尚人性世态的表现，且大部分都从事于新闻摄影工作，但有的为自然主义者，有的为写实主义者。

催生该流派的作品是一八九三年摄影家阿尔弗雷德·斯蒂格利茨的《纽约第五街之冬》，而真正完成者则是德国的摄影家埃利克·沙乐门博士。他用小型相机在一次德法总理举行的夜间会议结束时拍摄的《罗马政治会议》，由于它的生动、真实、朴实、自然，而成为该流派名垂摄影史的经典作品。

在摄影美学上，他们认为“以摄影的基本特点为基础的照片，是画家或蚀刻家所无法模仿的，它具有它自己的不可分割的我，具有自己特殊的表现力，甚至是用其他媒介不可能表现出来的特性”。其次，对客观事物的表现，他们重视和强调独创性，说：“（摄影家要用）自己的眼光来看世界，不要通过别人的眼光来看世界，而这正是区分照片是平庸还是高明，有价值还是没有价值的标准。”

该派著名的摄影家有美国的托马斯·道韦尔·麦阿沃依；英国的茜莉特·摩戴尔；法国的维克托·哈夫门；以及路易斯·达尔·沃尔夫、彼得·斯塔克彼尔·布鲁维奇等等。

“达达派”摄影

“达达派”是第一次世界大战期间出现于欧洲的一种文艺思想。“达达”，原为法国儿童语言中“小马”或“玩具马”的不连贯语汇。因为达达主义艺术家在创作中否定理性和传统文化，宣称艺术和美学无缘，主张“弃绘画和所有审美要求”，崇尚虚无，使创作近乎戏谑，因而人们把该艺术流派称之为“达达派”。

在这种艺术思潮影响下，摄影艺术领域中也产生了“达达派”。著名摄影家哈尔斯曼创作过一幅蒙娜丽莎，她那双丰满的手在这里不仅变成了青筋暴突，汗毛丛生，而且还塞满了钞票。真可谓荒诞无稽，不伦不类。

达达派摄影艺术家的创作，大都是利用暗房技术进行剪辑加工，创造某种虚幻的景象来表达自己的意念。例如LM纳基的勒达和天鹅，把一个美丽的希腊神话故事，处理成某种晦涩怪诞、不可捉摸的图像与线条的组合。在画面中，可视形象已不再以其自身的意义存在，而只是某种意念的构成元素。还有人用翦辑的手段，使尼亚加拉大瀑布涌向纽约，制造了一个荒廖的世界末日的姜闵景象。

由于达达派摄影艺术作品不符合人们一般的审美趣味和审美要求，1924年以后就逐渐受到有较明确、完整的艺术豆腐和纲领的超现实主义艺术流派的冲击。但其影响仍可在以后出现的现代派摄影艺术中窥见。

达达派的著名摄影家有菲利普哈尔斯曼、摩根、拉茨罗摩荷利纳基和利斯特基等。

主观主义摄影

主观主义摄影是一种在第二次世界大战后形成的比抽象派摄影更为“抽象”的摄影艺术流派，所以又称作“战后派”。

它是存在主义哲学思潮在摄影艺术领域中的反映。其创始人是德国摄影家奥特·斯坦内特。他认为，“摄影是本来具有发挥自己能力的宽阔领域，也具有高度的主观能动作用。但目前却成了一种机械的写实主义”。于是提出了“摄影艺术主观化的艺术主张。极力主张摄影艺术的终极应该是提示摄影家自身的某些朦胧意念和表现不可言传的内心状态和下意识活动。”主观摄影就是人格化、个性化的摄影。这便是该流派的艺术纲领。主观摄影的艺术家们极度强调自己的创造个性，蔑视一切已有艺术法则和审美标准。该派理论家公开表示，“主观摄影不仅仅是一种试验性的图像艺术，而是一种自由的不受限制的创造性艺术。”“我们可以任意使用技术手段去创造照片。”

西方人体摄影的嬗变　世界艺术史上，在希腊和欧洲文艺复兴时期出现过人体艺术的辉煌时期，其后诞生的摄影艺术，在经历了初期令人震惊的再现客观现实的艺术表现力后，富有探索精神和创造力的摄影家就开始向人体摄影领域的突进。1857年瑞典摄影家、后来留居英国的雷达兰，拍摄了一幅在摄影史上奉为经典之作的《人生的两条道路》，这幅情节丰富，场面浩繁的画面，运用了大量的人体作品，主题是观善惩恶，以白鬓长者为中心，两边两组人物体现了两种不同的道德观念、生活理想和人生历程。左边表示勤勉、友善、进取，右边则表示贪婪、享乐、堕落。共用30多张底片剪辑拼贴放大而成。这本来是一次非常富有想象力和积极意义的艺术创举，也受到当时的维多利亚女王的赏识。在曼彻斯特举行的重要造型艺术作品展览会上为新兴的摄影艺术赢得了极高声誉。但是它也受到了少数人的攻击，说它动用那么多，姿态粗野淫糜，流于色情等等。可见，古今中外，人体艺术无论它有多么积极的思想意义或高明的艺术处理，都会受到一些人的非难和攻击，这恐怕已成为一种规律性反应了。

西方人体摄影的发展趋势是非常明显的。在发展常规的传统的人体摄影的同时，也风行表达强烈的主观感受、现代摄影语言、创造多种流派、风格的作品，以至出现了畸形、切割、重组、神秘、荒诞、丑陋的意境。如杰瑞·郁斯曼的象征意味的人体摄影、罗杰·麦丁的《随意的人体》、托德·窝尔克的原始硕大造型的人体摄影、罗伯特·亨内斯钦及启德苏·俄克哈马等的切割重组的人体摄影、李思丽·克罗娜斯的荒诞意味人体摄影及宁达、康偌道尼·米切尔等的有性感意味的人体摄影等。

中国·东方文化与人体摄影

综上，同样以东方文化为背景的中、日等国人体摄影，同样存在两种截然不同的艺术倾向－一种是极力使之和东方文化、本民族文化结合，创造具有鲜明特色的人体摄影，一种是无所顾忌的和西方文化、欧美文化相结合，创造个性强烈突出的人体摄影。二者各有其作者群和读者、观众群，可以并行不悖，各自得到发展。

其特点是：

1 画面有“具象”和“抽象”两种不论何种造型形式，自我意念的表现是其最终目的。画面中的一切只不过是摄影家表现自我的“载体”而已。

3 利用近摄手段清晰而又强烈地强化和突出表现物体的某一细部形态。

4 运用暗房技法，把被摄对象原有的丰富影调简化，将自然、平凡的关系转换成强烈的视觉关系。

5 利用曝光手段（如多次曝光、连续闪光），使被摄体从时间概念中分离出来，能动地把时间概念和空间位置加以调换。

其著名的摄影家除奥特、斯坦内特以外，还有杰·施莫尔、肖·范欧坎、兰·佩恩、莫·弗克尔特等。

像深

景深前界和景深后界分别共轭的两个成像平面之间的距离。像深与景深相对应，像深越大，景深也就越大。

确定景深的标准：135相机可允许的模糊圈直径一般为 1/30 mm，即0.033 mm。

超焦距

当镜头聚焦在无限远时，位于无限远的景物结成清晰的影像，同时在有限距离某一点上的物体也能达到清晰的标准，近于这一点的物体就模糊起来，那么，这个物体到镜头之间的距离就是超焦距。

焦距

透镜中心到其焦点的距离。焦距的单位通常用mm(毫米)来表示，一个镜头的焦距一般都标在镜头的前面，如f=50mm（这就是我们通常所说的“标准镜头”，因为其视角于人眼视角相同故称标准镜头），28-70mm（我们最常用的镜头）这个焦距段是最适合拍人像的、70-210mm（长焦镜头）等。

光圈

用于控制镜头通光量大小的装置。光圈用F表示，有f1.0，f1.4，f2.0，f2.8，f4.0，f5.6，f8.0，f11，f16，f22，f32，f44，f64

快门

用于控制曝光时间长短的装置。快门一般可分为帘幕式快门和镜间叶片式快门以及钢片快门三种。其中帘幕式快门又可分为纵走式帘幕快门、横走式帘幕快门。钢片快门可以达到更高的速度（目前最高快门速度可达1/12000秒以上）。镜间叶片式快门的最高速度一般不超过1/500秒，但镜间叶片式快门的最大优点是拍摄时产生的噪音极低，极利于偷拍，并可以实现全速度范围内同步闪光。

快门速度

快门开启的时间。它是指光线扫过胶片的时间（曝光时间）。例如，“1/30”是指曝光时间为1/30秒，同样，“1/60”是指曝光时间为1/60秒，1/60秒的快门是1/30秒快门速度的两倍。其余以此类推。

说明：有些资料把快门速度称为快门时间，二者名称不同，但含义相同，均指快门打开的时间。

景深

影像相对清晰的范围。景深的长短取决于三个因素：镜头焦距、相机与拍摄对象的距离、所用的光圈。景深与以上三者的关系是：

⑴焦距越长，景深越短；焦距越短，景深越长（例：在同样的光圈、距离的情况下，28mm的镜头的景深要远远大于70mm镜头的景深）；

⑵距离越近，景深越短，距离越远，景深越长（例：在同样的焦距、光圈的情况下，拍摄对象在10米时的景深要远远大于拍摄对象在1米时的景深）；

⑶光圈越大，景深越短，光圈越小，景深越长（例：在相同的焦距、距离的情况下，光圈为F16时的景深要远远大于光圈为F4时的景深）。

ae锁

AE是Automatic Exposure自动曝光控制装置的缩写，ae锁就是锁定于某一ae设置，用于自动曝光时人为控制曝光量，保证主体曝光正常。使用ae锁有几点需要注意：

1、手动方式或自拍时不能使用自动曝光（ae）锁。

2、按下自动曝光（ae）锁之后不要再调节光圈大小。

3、用闪光灯摄影时不要使用（ae）锁。

CCD

cmos

佳能数码相机普遍采用这种感光装置。

dpof

dpof指的是数码打印顺序指令，用于在存储介质（影像记忆卡等）上记录信息。在此格式下，你可以设定将数码相机拍摄的那些影像进行打印以及进行打印多少张。

exif

所谓exif （exchangerable image file format for digital still cameras），就是由jeita（电子信息技术产业协会）制定的、决定记录jpeg图像和声音的文件上的附加信息的方式的规格。

exif 2.2

exif 2.2版是一种新改版的数码相机文件格式,其中包含实现最佳打印所必需的各种拍摄信息。

ptp

ptp是英语“图片传输协议（picture transfer protocol）”的缩写。

ptp是最早由柯达公司与微软协商制定的一种标准，符合这种标准的图像设备在接入windows xp系统之后可以更好地被系统和应用程序所共享，尤其在网络传输方面，系统可以直接访问这些设备用于建立网络相册时图片的上传、网上聊天时图片的传送等。

当然，这主要是为方便计算机知识不多的普通用户的，使相机、应用软件、网站....结合在一起更容易地完成一些傻瓜式功能。

tiff格式

tiff是一种比较灵活的图像格式，它的全称是tagged image file format，文件扩展名为tif或tiff。该格式支持256色、24位真彩色、32位色、48位色等多种色彩位，同时支持rgb、cmyk以及ycbcr等多种色彩模式，支持多平台。tiff文件可以是不压缩的，文件体积较大，也可以是压缩的，支持raw、rle、lzw、jpeg、ccitt3组和4组等多种压缩方式

wave

这是录音时用的标准的windows文件格式，文件的扩展名为“wav”，数据本身的格式为pcm或压缩型。

图像储存格式

由于数码相机拍下的图像文件很大，储存容量却有限，因此图像通常都会经过压缩再储存。最常见的图像储存格式就是jpeg和tiff档，jpeg经过高度压缩，能使档案变为原先的1/4、1/8或1/16大小左右，因此可以省下不少储存空间，不过相对也会让原始图像资料有所损失，许多相机都会提供特定的压缩比例供使用者自己选择。

tiff文件几乎未经压缩，所以图像会比jpeg保持地更完整。不过因为图像分辨率越高、压缩越小就越占记忆空间，所以拍照时必须兼顾对图像的品质要求与记忆卡容量。举例来说，一张8mb的smartmedia内存卡存640×480分辨率、高压缩格式的照片可能可以存80张，可是如果存1024×768、未压缩格式的照片就只能存3张，差异其实非常大，因此拍摄前必须先预设储存模式或干脆准备好足够的内存卡。

光线主要包括四种特性——光线的强度，光线的性质，光线的方向性，光线的色彩。

我们主要讲一讲光线的方向性，也就是我们常说的顺光、侧光、逆光、顶光和地光照明。

1、顺光照明：这是一种效果最平的一种光，它不利用拍出被摄体的立体感和空间深度感，缺少生气。

2、侧光照明：侧光照明的效果有明显改善，被摄体产生的明暗变化显出立感和表面质感，它比较符合人们正常的视觉习惯，所　以，在摄影中被广泛的利用。

3、逆光照明：它能够形成剪影，勾画出对象的形状，使之与背景分开。在对象的形状边缘形成明亮的亮线，能够渲染所要表达的气氛，丰富和活跃画面。

4、顶光照明：顶光照明的效果使画面呈现出一种酷热感，在人物的眼眶、鼻子和下巴下面造成浓重的投影，对人物的形象起着丑化作用。

5、地光照明：地光照明会造成从下往上的“鬼光”效果，经常会用于消除顶光等照明造成的阴影。

婚纱影楼上世纪90年代中期，第一家婚纱影楼在国内出现，婚纱照也开始渐渐流行，现已成为整个婚庆过程中不可或缺的一个环节。同时，婚纱影楼也经历了从产生到壮大成熟的快速发展，随着市场需求的不断增长和行业间竞争的日趋激烈，婚纱影楼逐渐步入了品牌时代。 起步期——照相馆的延伸国内大部分婚纱影楼的前身是照相馆，当时，人们结婚时一般只拍张简单的合影。照相馆也使用简易的机械相机，化妆也全凭自己喜好，没有专业化妆师和专职摄影师。随着经济的发展，人们对结婚照的要求逐渐多了起来，在拍照时会更换几套衣服，旗袍、军装、古装以及婚纱等。市场要求摄影的分类更加专业和细化，于是一些专拍结婚照的影楼开始出现，它们配备了一些较为专业的摄影器材，有了自己投资的简易工作间。

发展期——第一桶金的时代

从1992年开始，在台湾风行已久的专业婚纱摄影技术渐渐被祖国大陆吸收引进。

1994年，国内最早的一些婚纱摄影店开始吸引了人们的眼球，这时的影楼不仅引进了专业的摄影器材，也吸收和培养了一批专职的摄影人才，较为专业的婚纱摄影服务也逐渐在工作中显现。“人们在最初的惊奇之后，很短时间内就接受了这种现代的结婚纪念方式。”金巴黎的经理告诉记者，“在这种消费需求的拉动下，大部分影楼挖到了第一桶金。”据一些业内人士透露，在1997－2001年的时候，婚纱影楼的利润相当高，可达到70%左右，这既是从业者挖到第一桶金的时代，也是婚纱影楼的积累期。

成熟期——数码的时代

在市场利润的吸引下，婚纱影楼的经营者不断增多，这为消费者带来更多精致服务的同时，竞争也开始了。在竞争的过程中，行业内部迎来了转型的契机。2002年，沿海城市在国内率先将数码摄影技术应用在婚纱摄影上，同时也创建了首家数码婚纱影楼。这一技术的应用在减少成本，提高效率的同时，也使影楼内部的工种增多，如电脑后期处理工作，超大幅映像制作等。这不仅要求影楼吸收更多的专业技术人才，内部管理以及相关服务也至关重要。于是，一些经营和管理方式较为成功的婚纱影楼逐渐占据了市场的主要份额，一些经营不善的影楼或退出行业，或缩减经营项目，由市场造成的行业内部分级逐渐明朗。

品牌期——服务的时代

在市场分级的大趋势下，一些知名婚纱影楼成为了人们消费的主要对象。这些影楼渐渐注意到企业形象在经营中的重要性。在不断提高产品质量，加强内部管理的同时，经营者更加注重产品的创新和服务的优化细致。

在竞争越来越激烈的情势下，各影楼力求通过各种方法将服务做得更加周到、细致入微。售前，包括影楼的装修、氛围、格调、接待、介绍等都要充分考虑到消费者的需求；售中，从化妆、服装到摄影、取景、后期制作等也力求满足消费者要求；售后，包括镜框制作、保修、补拍等也尽量让消费者满意。到这时，由照相馆发端的婚纱影楼也步入了品牌期。

广告摄影是以商品为主要拍摄对象的一种摄影，通过反映商品的形状、结构、性能、色彩和用途等特点，从而引起顾客的购买欲望。广告摄影是传播商品信息、促进商品流通的重要手段。随着商品经济的不断发展，广告已经不是单纯的商业行为，它已经成为现实生活的一面镜子，成为广告传播的一种重要手段和媒介。

【水下摄影】

影视特技摄影（象）方法之一，即在水中摄影（象）。摄影（象）者携带有防护罩的摄影（象）机和潜水装备，潜入水中直接拍摄。水下摄影（象）可真实地反映水下景象，如水生动植物的生活、海底和河床的地质资料、考古发现等。水下摄影（象）在科研、军事技术、体育、教学等方面应用较广。

摄影人员和摄影机潜入水中拍摄水中景物的方法。摄影人员身穿潜水衣，脚戴鸭蹼，操纵水下摄影机拍摄，也可以将摄影人员和普通摄影机放在潜水设备中通过密封窗拍摄。较深的水下，须要水下照明灯光。也可以把水下摄影机潜入水中，摄影师在水面上面，遥控摄影机拍摄。

【纪实摄影】

纪实摄影（documentary photography）记录社会生活等的摄影，与单纯的记录摄影不同之点是，将拍摄

到的内容强烈诉诸于人民的个体报道性质的意思。

纪实摄影表现摄影家对环境的关怀，对生命的尊重，对人性的追求……纪实摄影家以冰冷的机器记录边缘景象或被人有意无意间“忽视”的事实，却往往能借着影像的力量，使摄影成为参与改造社会的工具。从纪实摄影发生的社会背景与历史没载看，它的批判性和干革命性不言而喻。副产品纪实摄影史就是一部摄影家对人世间的不公、黑暗、动乱、肃削……进行记录、表述与传播的历史。通地影像，他们达到宣传鼓动，进而促进社会变革，使人间更美好的目的。

开始于1917年的普利策奖由美国著名报人约瑟夫·普利策创立，主要分为新闻奖和文化艺术奖。

普利策逝后立下遗嘱，将财产捐赠给哥伦比亚大学，设立普利策奖，奖励新闻界、文学界、音乐界的卓越人士，该奖自1917年以来每年颁发一次。 85年来，普利策奖象征了美国最负责任的写作和最优美的文字。特别是新闻奖，更是美国报界的最高荣誉。每一个希望有所作为的美国记者无不以获得普利策新闻奖作为奋斗的目标。 普利策奖的评委由有成就的名记者组成。

当年的优胜者由评委审查、挑选，但评选结果需经哥伦比亚大学顾问委员会通过，并由哥伦比亚大学校长宣布。 首届普利策摄影奖是1942年颁发的。此后，除1946年外，每年颁发一次。从1968年开始，摄影类增设了专题新闻摄影奖，获奖作品通常由一组照片组成。 普利策摄影奖获奖作品具有重要意义。不少美国人对于许多重大事件的深刻印象是由当年普利策奖获奖照片形成的。事实上，许多美国人是通过回忆他们第一次看到这些影像时正在做什么来记录自己的一生的。

世界新闻摄影比赛(WPP)又称荷赛，是1956年由荷兰三位摄影家发起创立的基金会支持的，该基金会的宗旨是：“在全世界范围内引起并增强人们对新闻摄影的广泛兴趣，传播信息并加强国际间的相互理解。”

四十年来，世界新闻摄影比赛的规模在不断扩大，每年都有数十个国家近万幅作品参赛，比赛项目发展到9类19项，是世界上参与范围最广，最具代表性和权威性的新闻摄影大赛。荷赛每年还常增设一些特别奖，如“匈牙利李斯特奖”、“奥斯卡·巴纳克奖”等。荷赛所涉及的题材的多样性使其参赛及获奖照片不但能基本涵括每年的重大事件，也能深入人类的日常生活，它的作品已成为人类所处的时代和历史的见证。

哈苏基金会是由厄纳和维克多·哈苏捐赠的遗产于1979年建立的。基金会的宗旨是促进自然科学和摄影领域的科学教育和研究。该基金会每年都拨款资助众多项目，其中之一就是每年一度的哈苏国际摄影奖。1989年，该基金会在瑞典哥德堡成立并向公众开放了哈苏摄影中心（哈苏中心），该中心已经举办了一系列展览和文化演讲活动。值得一提的是，该中心还建有一个面向研究者和学生的摄影研究与参考书图书馆，收藏有包括历届哈苏国际摄影奖获奖者作品在内的丰富的图片。

哈苏国际摄影奖创办于1980年，已经逐步成为一项国际摄影界重要的摄影赛事，主要宗旨是奖励“一位公认的摄影师的主要成就”。该奖项由一批在国际上有影响力的摄影家和资深专家推荐3名候选人，最终得主则由哈苏基金会董事会从3名候选人中选定。

2001年，在国家文化部、国务院新闻办公室和山西省委、省政府的大力支持下，首次创办的“平遥国际摄影节”完全按照国际规范操作，国内与国际接轨、传统与现代互动，使平遥古城独特的风貌、古朴的民风以及形式多样的摄影活动交相逃映，在海内外产生了出乎预料的轰动效应。因此，经国家文化部批准、组委会决定在2002年9月15-22日继续举办这一盛会。

2002年平遥国际摄影大展吸引了来自法国、美国、西班牙、丹麦、俄罗斯、意大利、比利时、日本、韩国等国家的著名摄影家参展，他们展出的18组30个展览全部是第一次在中国亮相。国内摄影展览有33组65个，整体上突出了“世纪中国”的主题，我们从大展所展出的几千幅作品中选部分精品，编辑成册，记载下这辉煌的瞬间。

拍摄出好的摄影作品需要有一定的器材,耐心，以及一些必要知识。

所谓“摄影”，就是对一些景物的局部或者全部进行拍摄，以被摄物体的独有特征之美来吸引观众。但在拍摄时近景时，通常由于相机离被摄物体很近，所以很容易因为相机的举握不稳定而影响像质。不过你可以通过购买一些适当的器材来克服这些问题。拍摄好的摄影作品需要掌握以下几个技巧：

一、使用三角架

你必须将你的相机安装在一个三角架上以防止相机的晃动。尽量的将相机靠近被摄物体，并且注意不要引入不必要的阴影。

二、调焦轨

虽然它不是拍摄时的必备品，但是调焦轨却是一个很好的辅助装置可以帮助你拍摄出好的特写镜头。调焦轨能够使相机以非常小的增距沿着X和Y轴线移动，能够精确的控制相机的位置和画面的景深。如果用移动三角支架来达到理想的位置则是非常麻烦的。

三、使用快门线

即使你已经将相机安装到了三角支架上，但是如果你在按快门的时候不小心，仍然有可能使相机产生晃动，所以为了避免这种情况的发生，我建议你最好还是使用快门线。

四、使用黑色或有色背景

在拍摄时，当被摄物体的背景为黑色，那么就能够使拍摄出来的图象看起来最清楚。你也可以使用模糊的背景，特别是当被摄物体的色彩很浓的时候。

五、在必要的时候使用反光卡

使用一个白色的卡片或是用一张铝箔包在卡片上，将光线反射在被摄物体上，以照亮物体上的阴影部分。需要注意的是不要让这张卡片出现在被拍摄范围内。

六、一定要有耐性

有时候，即使是一阵微风也会使拍摄到的特写镜头出现模糊的情景。在这个时候，你就一定要有耐性了，最好是等到风过了之后再进行拍摄。同样的，在户外拍摄时，当天上的云将太阳遮住了，最好是等到太阳出来后再拍摄，这样拍摄出来的照片看起来会比多云时拍摄的照片的色彩更鲜艳、明亮一些。

七、运用好构图

奥地利摄影家伊涅斯特·哈斯对于构图，他已达到手中无剑，剑在心中的境界，他认为：“构图在于平衡，每个人对平衡的处理都各有不同。”正如同武功达到最高境界时，已没有招式名称，只凭自己的功力去化解。关于相机在构图中的位置。他认为：“你越能忘记你的器材，越能集中你的题材和构图，那么相机只是你眼睛的延续，再没有其他意义。”

小雅各布斯还认为：“构图的最基本的因素是线条、形式、质感以及这些因素之间的空间。当然色彩同样也是不可忽略的因素。会聚的线条一般能说明透视关系，但并不是所有的照片都非要表现出透视的深度不可。许多杰出的作品都是平面图案。在取景器中的某个景物或人物的肖像，都是根据摄影者个人的感受进行安排的。因此，怎样构图，和怎样选择主体、光线、色彩一样，也能成为一个摄影家独特的个人风格的基础。 “在大多数情况下，每幅照片中都有一个或一组形状或形式起主导作用，而照片中的色彩、体积、位置和其他形状等，都是为主导因素服务的。 “构图中的对比，是指大与小、明与暗、近与远、主动与被动、平滑与粗糙、色彩的浓艳与轻淡等等的对比。要多利用这些相互对立的因素，通过它门使主体影响整个构图。例如，恰当地利用对比法则，照片就会具有强大的魅力。” 有些人或许对构图有天赋。

八、当画面中被摄主体在画面中所占比例过小，或画面的空白空间比较单调时（例如拍摄夕阳下的高楼大厦时），可以创造性地运用欠曝形成剪影作为前景，通过黑色的剪影既可以压迫观众的视觉投向被摄主体，同时黑色剪影也不会分散观众的注意力。我们甚至可以运用以剪影作为主体的边框，形成方、圆或变异的各种形状，使平常的景物具有独特的画面形式感，增加画面的纵深感。

九、关于摄影坛里“宁过勿欠”与“宁欠勿过”的两种曝光原则，各有各的观点，两者都有为数不少的支持者。顾名思义，“宁过勿欠”指的就是“宁可过曝也不可欠曝”，只要曝光直方图不超出右边界，就可以放心地过曝，这样反而能让画面最大限度地干净细腻，并且感光度越高，效果越明显；“宁欠勿过”指的是“宁可欠曝也不可过曝”，因为欠曝带来的图片不够亮的问题完全可以用后期PS补救回来，而一旦过曝、丢失细节，拿什么软件都难以解决了。

不过，我们只有按照实际情况确定，按正常曝光，才能满足自己的需求，才能拍出令人满意的照片！